Este blog tiene como fin desarrollar didácticas que contribuyan a fortalecer la capacidad creativa mediante métodos de análisis de
los medios de producción artística, y la aplicación interpretativa e imaginaria de formas de representación simbólica y estética de la realidad.
Hay que tener en cuenta que para llegar a obtener una imagen visual armónica, se conceptualiza con la semiótica visual y en consecuente en el uso de diferentes instrumentos, desde el dibujo, pasando por la composición fotográfica, llegando al video y así también colocando cada cosa nueva que encontramos en la web.
La semiótica visual, esta nos habla sobre las historias que cuenta la fotografía, el video o el grafico y que deben ser conceptualizados por el realizador.
Esta debe contextualizar historias;
De acuerdo a la desde donde queramos ver la perspectiva de la imagen o lo que deseamos conseguir asi mismo lo que esperamos obtener de la imagen.
Color; Es un conjunto de sensaciones que tiene un lugar en nuestro cerebro.
Color luz; es considerado el color luz y aquellos que son primarios como el azul, amarillo, rojo.
Color pigmento; son aquellos primarios que al combinarse entre si se convierten en secundarios.
MITOPOÉTICA VÍDEO
La textura representa las caracteristicas de la superficie.
Sintaxis;
reglas y pricipios que gobiernan la combinatoria de constituyentes
simples y la formacion y estructura de unidades superiores en un
lenguaje natural.
Sintaxis de la imagen; analisis de la composicion y la imagen en terminos de sistaxis y literatura visual.
La
mito- poetica surge, como su nombre lo sugiere, esta mito poetica se
nutre de los contenidos misterioros que tienen los mitos, estos sugieren
acontecimientos prodigiosos cuyos protagonistas son seres
sobrenaturales y extraordinarios, entre los que se encuentran dioses,
héroes, y personajes fantásticos, que llevados a la poesia se
complementan para producir creaciones artisticas desde la plástica y
otros lenguajes artísticos.
Se
apropian culturalmente, de acuerdo a cada cultura puesto que es desde
la perspectiva de las distintas tradiciones locales, que el ser humano
empieza a cominicar, expresar necesidades, historias que por medio del
arte van dejando huella
ARTE Y ETNOLOGÍA:
Plantean un retorno a la fuente primitiva, a partir de esos relatos que se evidencia en los objetos hay un ahistoria por contar, todo empieza a tener sentido a la medida que se realiza el estudio de la forma, el simbolo, la significación que resulta de la exploracion de los materiales que utilizaron las civilizaciones para dejar una huella por medio de hacer artístico.
En cuanto a lo que vivencias tiene mucho que ver en contexto en que se encuentran estos objetos artísticos, quiza para la epoca solo eran de caracter utilitario, pero hoy en día hav¿cen parte de la lista de obras arísticas como simbolo de una civilización.
ESTE VIDEO
COLOMBIA
CONCLUSIONES:
Las tradiciones que hacen parte de una civilización su historia solo se puede leer desde sus objetos artísticos, esto llevado al aula de clase lo que posibilita es producir en los estudiantes el deseo de confrontar su presente con el pasado, que llegue a reflexiones en donde se sienta confrontado, que desde sus imaginarios pueda llegar a tener una conexión con lo que paso y que aún en la actualidad sigue influenciando las creaciones artísticas, este tipo de trabajos en el aula permite al estudiante a buscar en cierta manera sus raíces, porque es a partir de estos espacios donde el estudiante sugiere cambios en el hacer artístico, y desarrolla su capacidad creativa.
Cómo se estructuran las imágenes múltiples: se evidencia inicialmente en la estampa, obra de arte, múltiple que responde a distintas condiciones entre algunas las que se encuentran son:
La idea de la imagen obedece al directamente del autor, quien es el que interviene en todo el proceso de la realización.
La imagen cumple un papel primordial, que ésta no puede estar reproducida de alguna imagen echa en otro medio.
La estampada son realizadas por el artista y es quien hace las modificaciones pertinentes a su objetivo.
Cuándo y donde aparecen:
Aparece alrededor del siglo XVIII, cuando se empieza a considerar como un medio autónomo, el estampado o grabado da la posibilidad de reproducir una obra cuantas veces el artista lo desee o la técnica lo permita.
Se evidencian fácilmente:
Esta técnica inicia en China con la impresion xilografica (tecnica de impresion en planchas de madera grabadas)
ICONOGRAFÍA PRECOLOMBINA
Que significa: para llegar a una deficion acerca de la iconografia esta se refiere al conjunto de imagenes realcionadas con un personaje o un tema que da respuesta a una concepcion o a una tradicion.
la iconografia esta basada en el estudio del el origen y elaboracion de imagenes su relacion simbolica o alegoricas, se empieza a cultuvar com disciplina en el siglo XIX en Londres, espandiendose a otros paises europeos.
A grandes rasgos la iconografia se encarga en la descripcion de las imagenes de las imagenes, a su vez esta esta abarca areas relacionadas a la mitologia;
Mitologia de caracter cristiano
Mitologia clasica
representaciones de inspiracion civil
La importancia que tiene la funcion de la icografia en el arte es el valor que es dado a las expresiones artisticas que hay en las imagenes que van desde la epoca; la cual encierra el contexto historico, social y cultural-
Se desarrolla mediante dos momentos que son;
Diacronica: encaragada de estudiar los antecedentes y los procesos de desarrollo de la obra.
Sicronica: esta analiza los aspectos socio culturales que influyeron en el artista, para la realizacion de la obra.
La iconografia se caracteriza por tener temas especificos en los que destacan:
CRISTIANOS: Es un de los campos mas representativos de la icongrafia, y es 1570 que se empieza evidenciar interes ´por este tipo de arte, en ese tiempo son halladas las catatumbas, que fueron abriendo espacios en el que habian debates alrededor de la misma.
PERSONIFICACIONES: en esta se em pieza a comprender cuestiones historicas de diversos personajes que de una u otra forma han generado cambios en la humanidad.
EMBLEMA: esta estab direccionada a las figuras simbolicas, las cuales usaban un lenguaje figurativo entre las que se encuentra; losjeroglificos, y toma importancia en el Siglo de Oro.Aqui los artistas se basan en obras emblematicas como motivo para sus pinturas y obras de arte.
VIDEO COLOMBIA
ARTE ONÍRICO SURREALISTA:
LA COMPOSICION: es la disposición equilibrada de los elementos de la imagen que se ordenan para expresar sensaciones favorables en espacio determinado.
Conviene tener presente los siguientes conceptos;
El encuadre: concreta los límites de la imagen, en el encuadre se deben analizar los siguientes elementos.
Los planos:
Gran plano general (G.P.G) La persona solo ocupa tres cuartos o la mitad de la pantalla.
Plano general (P.G) recoge todo el cuerpo y queda un pequeño margen en la parte superior e inferior de la pantalla.
Plano tres cuartos o plano americano: desde la parte superior de la cabeza hasta las rodillas. Sirve para captar la interpretación o expresión del cuerpo.
Plano normal o plano medio: (P.N) Desde la parte superior de la cabeza a la cintura.
La angulación.
Es el ángulo que forma el punto de vista ante el objeto. Puede ser ;
Picado: ( punto de vista de arriba abajo) ofrece la sensación de superioridad sobre el objeto.
Contrapicado. (de abajo hacia arriba) da sensación de inferioridad, realce, solemnidad.
Norma (punto de vista del fotógrafo y objeto en el mismo plano).
La luminosidad
Cantidad de luz con la se presentan o exponen los elementos de la imagen. Sirve para determinar qué elementos tienen más relace y cuales menos. Puede ser suave, tonal o contrastada.
El color
Estudio de la iconicidad del color (grado de realismo)
Contraste cromático, simbología del color.
El formato
Espacio donde se desarrolla la composición y que hace referencia a las relaciones de altura y anchura de la imagen. Pueden ser;
Horizontal. El autor busca equilibrio triangulados.
Cuadrado: el autor busca simetría.
Vertical: el autor busca resaltar la precariedad de los objetos.
Centro de atención
Es el punto de un espacio rectangular o cuadrado que con mayor probabilidad selecciona la mirada del observador, está por encima de la línea horizontal imaginaria que divide el formato en dos partes iguales.
Puntos focales.
Donde la detención de la vista resulta más habitual. Es la intersección trazada desde un vértice a la perpendicular opuesta del rectángulo.
La estructura lineal
La línea. Tiene una expresión propia, su composición dirige la vista en las imágenes y ayuda en la producción de sensaciones.
Líneas horizontales. Expresan quietud
Líneas verticales. Equilibrio
Líneas diagonales. Progresión, cambio.
Líneas cíclicas.se ajustan a trazados curvos.
Cómo se reconocen y articulan:
Su lectura puede ser dual:
Técnicas básicas de acuarela.
la técnica “ transparente” de la acuarela implica la superposición de lavados finos y se basa en la blancura del papel para obtener sus efectos y los toques de luz. A medida que se superponen mas lavados el color se hace más profundo. El color de la acuarela se puede modificar añadiendo o quitando agua, usando pinceles, esponjas o trapos.
La acuarela da muchas posibilidades, permite crear degradados o lavados uniformes, incluso superposiciones de colores.
Para desarrollar esa técnica se requiere que la superficie donde se va trabajar éste húmeda, para que la mezcla de color quede bien.
La humedad base es la que permite la fusión de colores, cuando se aplica más de un color se le llama multicolor.
El soporte más corriente para esta técnica es el papel y hay gran variedad de texturas, pesos y colores, y su elección depende del estilo del artista. Existen tres tipos de estándar.
Papel prensado en caliente (hp), tienen una superficie dura y lisa.
Papel prensado en frio (no), es tinturado, semiaspero, adecuado para lavados amplios y lisos.
Papel áspero, una superficie granulada, cuando se aplica un lavado se obtiene un efecto moteado por las cavidades del papel.
Para evitar que el papel se ondule hay que tensarlo o utilizar un gramaje grueso.
El dibujo con pincel, es un arte entre los acuarelistas chinos y los japoneses, en occidente es el dibujo tradicional con pincel.
La pintura a la acuarela empezó con la invasión del papel en china, poco después de 100 a. c. en el siglo XII los árabes introdujeron la fabricación del papel en España, y la tecnología se extendió a Italia. El primer uso conocido de la acuarela en Europa es el pintor renacentista italiano Raffaello Santi (1483-1520), que pintaba en grandes cartulinas como bocetos de tapices.
Como llevar esta técnica de manera práctica a los estudiante.
Lo que se busca por medio de esta técnica es despertar en el estudiante la capacidad de crear, a partir de la creación de figuras a través de los colores, se busca motivar al estudiante de manera que relacione objetos, cosas, alimentos, etc. que diariamente encuentra en su entorno, llevándolo a transformar lo que para ellos solo era una imagen, puede llevarla a una creación propia y aplicable para un verdadero conocimiento.
Cuando se logra llegar a este punto, donde el estudiante no solo encuentra lo básico en los diferentes objetos y cosas, es allí donde se puede llegar a transformar toda una línea de el.
CONCLUSIONES
Las imágenes múltiples despierta en los estudiantes habilidades en los que ellos intercambian prácticas artísticas donde involucran la imaginación, se complementa con las diferentes técnicas, objetos, bocetos, entre otros, así mismo comienza a reproducir imágenes producto de los procesos creativos en la plástica, hay que llevar las herramientas necesarias en las que el estudiante se desenvuelva y hagan creaciones propias al proceso.
R/ Para poder diseñar en superficies basicas a que tener en cuenta los elementos que se utilizan en el diseño grafico, por tal razon es neceasario conocelos para asi llevarlos a la practica.
¿Cómo establecer unidad desde la diversidad en la composicion?
R/ La composicion: es la ordenacion de las imágenes, es decir, la ubicación de los elementos plasticos a partir de las posibles relaciones que puieden estableserce entre ellos. Los principios son la unidad y claridad.
Se puede crear diversidad y contraste para añadir dinamismo, aunque complica la composicion.
Hay que delimitar claramente el centro de interes, el que atraera la mirada del espectador, y que depende de la composicion.
Aqlgunas reglas de composicion.
La zona inferior: suele ser mas estatica y solida y la superficie mas dinamica y llamativa.
La zona izquierda: es mas estable y permite clocar pesos mayores sin desequilibrar, a mayor tamaño, mayor peso compositivo.
¿Cuales son los fundamentos del diseño bidimensional?
Un buen diseño es la mejor expresion visual de la esencia de “algo”, ya sea esto un mensaje o un producto, para hacerlo fiel y eficasmente, el diseñador debe buscar la mejor forma posible para que ese “algo” sea conformado, fabricado, distribuido, usado y relacionado con su ambiente.
Su creacion no puede ser solo estetica sini tambien funcional, mientras refleja o guia el gusto de su epoca. Para esto el diseñador debe dominar un lenguaje visual, este lenguaje es la base de la creacion del diseño
.
DISEÑO BIDEMENSIONAL:
El color
En griego (chroma, chromatos), s una percepción visual que se genera en el cerebro de los humanos y otros animales al interpretar las señales nerviosas que le envían los fotorreceptores en la retina del ojo.
El ojo humano solo las longitudes de onda cuando la iluminación es abundante. Con poca luz se ve en blanco y negro.
El blanco es el resultado de la superposición de todos los colores.
El negro es la usencia del color.
Isaac Newton, lo define como una sensación que se produce en respuesta a una estimulación nerviosa del ojo, causada por una longitud de onda luminosa. (La luz es color).
Aristóteles (384-322 AC) definió que todos los colores se forman con la mezcla de cuatro colores, que denomino como básicos, estos eran, tierra, fuego, agua y cielo.
Leonardo Da Vinci (1452-1519), lo definió como propio de la materia, primero el blanco como el principal ya que permite ya que permite recibir a todos los demás colores, seguía el amarillo para la tierra, verde para el agua, azul para el cielo, rojo para el fuego y negro para la oscuridad, ya que es el color que nos priva de todos los otros.
Johan Goethe, (1749-1832) desarrollo un triángulo con tres colores primarios rojo, amrillo y azul, y lo relaciono con ciertas emociones.
Propiedades del color:
Tono: matiz o croma es el atributo que diferencia el color y por la cual se designan los colores, verdes, violeta, anaranjado.
Saturación: es la intensidad cromática o pureza de un color valor, es la claridad u oscuridad de un color, está determinado por la cantidad de luz que un color tiene. Valor y luminosidad expresan lo mismo.
Brillo: es la cantidad de luz emitida por una fuente lumínica o reflejada por una superficie.
Luminosidad: es la cantidad de luz reflejada por una superficie en comparación con la reflejada por una superficie blanca en iguales condiciones de luminación.
Interacción del color
Cuando dos o más colores se encuentran dispuestos de manera cercana, nuestra percepción de ellos se modifican, puesto que aparentemente “vemos que cambian”, estos cambios pueden darse en una o más propiedades del color (matiz, luminosidad y saturación); van a afectar la manera en que percibimos un mismo color, en situaciones distintas. Josef Albers (1888-1976)
Más claro o más oscuro: intensidad luminosa.
Un color aparecerá como un color más claro o más oscuro, según el color que se encuentre cercano al color con el que este interactuando, la forma determina que color es más claro o que color es más oscuro.
El color verde se encuentra en un valor o clave intermedia entre los dos colores de fondo, en este caso blanco y negro. Es decir, es más oscuro que el blanco pero nunca más oscuro que el negro.
Más brillante o más opaco intensidad cromática
Hay colores que al interactuar con otros que se encuentran cercanos a él, se pueden percibir como más brillantes o más opacos.
Un color será más brillante mientras más puro (más saturado) nos parezca.
En este caso el color más saturado es el número 4 que sería el más brillante.
Un color adquiere dos caras distintas.
Un mismo color puede adquirir diferentes caras, al interactuar con colores próximos a él.
Mientras más diferentes entre sí son los colores de los fondos, mayor será su influencia cambiante.
Dos colores diferentes parecen iguales: sustracción del color.
Dos colores totalmente distintos pueden parecer el mismo color, al interactuar con colores próximos a él.
Esto se produce porque la luminosidad y tonalidad de los colores de los fondos, reduce visualmente tonalidad o luminosidad a los colores del medio.
Color de imagen persistente.
Es llamado contraste simultaneo, las células fotorreceptoras que hay en la retina humana, los conos, están preparadas cada tipo para recibir uno de los tres colores primarios (rojo, amarillo o azul) que componen todos los colores
Mezcla óptica.
Dos colores o más colores que se perciben simultáneamente, se ven combinados por ende fundidos en un mismo color, en este proceso, los dos colores originales son primero anulados y hechos visibles, y despumes reemplazados por un sustituto, llamado mezcla óptica.
El descubrimiento de la mezcla de los colores en nuestra percepción condujo, técnica pictórica de los impresionistas y en particular de los puntillistas.
Otras como reproducción fotomecánica, los procedimientos tricromía y cuatricromía para reproducción en el color y el procedimiento de fotograbado de medias tintas para reproducciones en blanco y negro.
(Hay una clase especial de mezcla óptica, el efecto Bezold “Von Bezold 1837-1907”
Intervalos y transformación cromática.
En el color así como en la música se habla de intervalos de tonos. Colores y tonalidades se definen, por su longitud de onda. Todo matiz posee intensidad cromática (brillo o saturación) e intensidad luminosa (luminosidad). Por lo tanto, los intervalos cromáticos tiene también este doble aspecto, esta dualidad.
En esta figura vemos cuatro colores a la derecha y cuatro a la izquierda. Los colores que aparecen como más pesados en la izquierda, continúan siendo los más pesados a pesar de que se encuentran en una clave mas alta.
Yuxtaposición de colores: homogeneidad y heterogeneidad.
Podemos encontrar cuatro colores que dispuestos en su justa proporción, determinan una composición armónica, desde el punto de vista que se percibe como un todo, como una composición homogénea.
CONCLUSIONES
Al hablar sobre diseño básico estructural, hay que tener en cuenta que todo esto debe cumplir con elementos mínimos que permiten la elaboración de creaciones artísticas plásticas, esto a su vez conlleva a explorar diferentes condiciones, espacios, materiales que van alimentando la obra artística; es por medio de la experiencia que se producen propuestas que son llevadas al aula y son aplicadas con una intención que debe estar direccionada a cambios en todos los aspectos escolares.
1.El
pensamiento metafórico onírico expresado en las artes visuales, (pintura
moderna como símbolo o también llamada Pintura Imaginativa moderna), tiene su
origen en el arte rupestre primitivo. Al respecto de lo metafórico comenta
Giorgio de Chico:“Todo objeto -escribió- tiene dos aspectos: el aspecto común,
que es el que generalmente vemos y que todos ven, y aspecto fantasmal y
metafísico, que solo ven raras personas en momentos de clarividencia y
meditación física, una obra de arte tiene que contar algo que no aparece en su
forma visible”. En cuanto a lo onírico, plantea André Bretón: “No pueden
utilizarse los sueños para resolver los problemas fundamentales de la
vida?-escribió Bretón- creo que el aparente antagonismo entre sueño y realidad
deberá resolverse en una especie de realidad absoluta: Surrealismo” .Tomado de
Jung (1964).
SURREALISMO.
Inició en París, Francia, en 1924.Fundado por el poeta francés André Bretón,
quien conoció la obra de Freud, para el cual los sueños eran importantes en sus
ideas.
No hay que ser indiferentes a la construcción metafórica que tiene impresas las obras de arte surrealistas, tanto en la pintura, la literatura y diferentes lineas de expresión fueron dejando supuestos que encierran un sinnúmero de elementos que evidencian relaciones de una realidad a partir de los sueños que vienen a ser el mundo de lo irreal.
Juegos de palabras, imágenes que permiten entrever la influencia onírica y metafórica en sus realizaciones y que hoy por hoy siguen siendo material de estudio en muchas áreas del conocimiento, para llegar a encontrar esos significados semánticos que a primera vista no se logran entender.
La muerte rosa
Los pulpos alados guiarán por última vez la barca cuyas velas están hechas de ese solo día hora a hora Es la velada única tras la cual sentirás subir por tus cabellos el sol blanco y negro De los calabozos rezumará un licor más fuerte que la muerte Cuando se la contempla desde lo alto de un precipicio Los cometas se posarán suavemente en los bosques antes de fulminarlos Y todo pasará dentro del amor indivisible Si el motivo de los ríos nunca desaparece Antes de que sea completamente de noche observarás la gran pausa de la plata Sobre un pescador en flor aparecerán las manos Que escribieron estos versos y que serán husos de plata también Y también golondrinas de plata sobre el oficio de la lluvia
Verás el horizonte abrirse y de pronto habrá acabado el beso del espacio (...) Andrè Bretón
En ese sentido, el símbolo se vincula a todo lo que interviene en las expresiones artísticas puesto que desde su definición como representación sensorial perceptible de una realidad y ante todo perceptivo ante las vías sensoriales sirve para representar figuras señales u
otros que determinan otra cosa las cuales se asemejan a ideas con el fin de
brindar una interpretación diferente.
a.¿En
qué estilo se expresa?
Podemos
afirmar que el símbolo depende varias formas culturales específicas de un grupo
aliadas a un grupo o una sociedad. A fin que la palabra o la imagen logren un
cometido de expresar el concepto que pretenden mostrar.
b. ¿Cómo opera su Transformación iconográfica?
ICONOGRAFÍA:
se basa en otras obras, a las que copia.
ICONOLOGÍA: importancia
del texto literario como fuente junto a grabados.
Es
la descripción del tema o asunto representado en las imágenes artísticas, así
como de su simbología y los atributos que identifican a los personajes
representados. El término está construido por las raíces griegas, Los matices
de su diferencia conceptual con la iconología son poco precisos; y en realidad
se complementan. La iconografía se ocupa del origen y desarrollo de los temas figurados
que se representan en las obras de arte, mientras que la iconología descifra su
significado.
1.Para
responder a las preguntas es importante aclarar el término semiología o
semiótica. Ambas expresiones hacen referencia a interpretación de signos, pero
la primera se interpreta como el significado de los signos lingüísticos
(Palabras u oraciones), mientras que la segunda se aplica al sentido que se le
da a las expresiones.
La
interpretación del signo se puede dar en todos los ambientes, desde el
gramatical, hasta la relación, médico – paciente. Esto nos amplía el rango de
estas dos definiciones.
Profundizando
un poco más, los significados lingüísticos que definen la semiología pueden ir
en los mensajes publicitarios ya que, con la forma de intención con que se
emiten llevan a que el producto cause Impacto en el receptor, es decir en la
semiología va muy ligado al ámbito gramatical en el caso de lo escrito y en las
palabras. Pero la semiótica encuentra algo mucho más ya que a estas oraciones,
palabras o escritos, pueden tener un sentido y este puede variar respecto al
contexto.
¿Cómo
se construye?
La
semiología se construye en el campo de interrelación de los seres humanos,
desde el cotidiano implícitamente estamos haciendo interpretación de los signos
que se transmiten con nuestros pares, o con todo aquel con el que nos
comuniquemos. Se puede simplificar la respuesta, a que se construye en el momento
en que nos comunicamos, es decir siempre.
¿Cómo
se expresa artísticamente?
La
semiótica o semiología se puede expresar en todo tipo de arte, ya que una de
las bases de este, es querer comunicar algo y lo hace a través de signos. Por
tanto la semiología introduce sus interpretaciones respecto, a todos los que
tengan encuentro una obra y genera una comunicación obra – receptor. Dentro de
la investigación encontré un tema en particular y es la semiótica en el teatro.
Este convierte la realidad en signos que se transmiten mediante los diálogos,
las expresiones, es decir todo el teatro es signo.
a.El
arte y los símbolos. ¿En qué estilo se expresa?
b.¿Cómo
opera su Transformación iconográfica? “el arte es la recreación selectiva de la
realidad según los juicios de valor metafísicos del artista” AYD RAND (1982),
Arte se expresa únicamente a través de símbolos, ya que este opera en la
naturaleza de su definición de una manera representativa.
1.Estudio
de los imaginarios.
Para
llegar a definir que es el estudio de los imaginarios, se abordara desde la
propuesta de Manuel Antonino Baeza, en su libro Mundo real, mundo imaginario
social (...) (Baeza, 2008, pág. 506) En el que éste define los imaginarios a
partir de lo social, en ese sentido lo expone de la siguiente manera “los
imaginarios sociales son construcciones inspiradas por elementos que allí se
depositan, muy al margen de la voluntad del ser humano. Todo el misterio del
simbolismo”. De esta manera esta definición conlleva a relacionar el imaginario
a ese simbolismo que se constituye del proceso de individualización, ese yo que
se alimenta de la colectividad y el medio con sus costumbres, métodos y
lenguajes impartidos por la educación.
Es
decir hay que partir de la raíz de la imaginación la cual está relacionada a la
facultad productora de ilusiones, de sueños y de símbolos, enlazada a la poesía
y a las artes (…)(Baczko, 1999).Lo cual conlleva a la imaginación al
rango de un símbolo, la palabra imaginación cuya función es ser un elemento de
un mecanismo simbólico, entra en una búsqueda hacia la identidad. Es allí en
donde confluyen cada uno de los conceptos que se han ido exponiendo en el
presente trabajo.
¿Qué
papel juega la imaginería?
Permite,
mediante, construcciones sociales “Toda sociedad debe inventar e imaginar
la legitimidad que le otorga al poder Dicho .de otro modo, todo poder debe necesariamente
enfrentar su. despotismo., y controlarlo reclamando una legitimidad. En efecto, ninguna
cultura, y por lo tanto, ningún poder puede ser deducido
de un principio universal, físico, biológico o espiritual, al no estar
unido por ninguna especie de relación interna con la “naturaleza dé las cosas”
o la ‘ naturaleza humana” (Bourdieu y Passeron, 1981) (Baczko, 1999, página. 25).
Si estos
conceptos son llevados al aula como práctica artística es propicio encontrar
desde que metodología sería conveniente trabajar, desde ahí se toma como
referencia el libro Desarrollo de la capacidad creadora de Viktor Lowenfelc,
quien de una manera organizada enfoca su propuesta para desarrollar en el aula,
partiendo del significado del arte en la educación, abordada desde la etapa
inicial hasta llevar a la secundaria lo que conlleva a esta indagación no solo
proponer unas teorías de una temática específica, sino cómo llevar esas teorías
a la praxis , puesto que es desde
esas experiencias prácticas donde los estudiantes llegan a potenciar procesos
para la interpretación, desarrollo mental y emocional. (Lowenfeld & Brittain , 1980, pág. 15).
HÍBRIDO" EL CUERPO COMO IMAGINARIO
En este breve vídeo se ve claramente la influencia que ha tenido el cuerpo a la hora de colocarlo en un plano social que cuenta una historia y se hacen construcciones de las épocas usando el cuerpo y su fusión con su contexto.
MIicha Gordin. fotografía conceptual
El
arte surrealista busca dar forma visible a lo que hay detrás de los sueños,
presenta la experiencia del artista, de forma onírica, y de ese modo sus obras
son una expresión simbólica. Es un arte que conmueve el inconsciente.
2.La
simbología de arte, dentro del ámbito cultural nos permite sentir y ver cosas
más allá de lo evidente quien para nosotros puede tomar una trazabilidad de un
contexto no muy alejado de lo que el artista en su obra puede mostrar o de esta
misma relacionar y defender una idea puesta con el fin de debatir con el
espectador.
los imaginarios y las
formas simbólicas desde su conceptualización busca o está relacionada no solo a
establecer diferencias, sino a incorporar valores y organizar comportamientos
individuales y colectivos, que se originan desde lo religioso a lo mágico, de
lo económico a lo político, entre otros y finalmente se encuentran vinculadas
la imagen, la idea y las acciones, como lo plantea Baszko.
CONCLUSIONES
Las construcciones oníricas, se basan en los símbolos, imaginarios que se han generado a partir de los comportamientos individuales y colectivos, cuando se busca implementar esas construcciones oníricas en el trabajo de aula que realizar un aprovechamiento de los imaginarios que circulan en el contexto escolar, puesto desde esas posturas que se empiezan a propiciar espacios en que los estudiantes empiezan a tener un pensamiento crítico en relación a la vida tanto social, educativa y personal, esto a su vez conlleva a formular propuestas en los procesos creativos de la plástica y que finalmente desarrolla habilidades cognitivas y artísticas.
Cuando se habla de la las formas geométricas dentro del arte, hay que partir desde la prehistoria donde se evidencian imágenes que se encuentran en las cavernas, piedras, entre otros y sus diseños donde predominaba la linea, la abstracción, el simbolismo y Esquematismo; este arte fue denominado arte rupestre, vinculado a contar la historia del ser humano, sus costumbres, oficios propios de la época.
Estas son algunas muestras del arte rupestre
Desde este panorama se es importante resaltar como a partir de la forma donde pretendían plasmar una situación o vivencia, existe una relación directa a esas formas geométricas que concierne a esta temática. Dando una dirección a esta investigación se partir de los siguientes interrogante
¿Cómo cambia el arte? : este genera posibles respuesta que la misma historia del hombre ha ido formando y que la necesidad por imprimir esas realidades lo han llevado de una u otra manera dar vida a esos contenidos, en este primer momento en que el arte al parecer era un medio de comunicar, se ve la necesidad del ser humano de expresarse y dejar su legado.
Historia del arte
Si se hace un recorrido de la historia del arte es posible evidenciar los cambios que ha tenido y la influencia en cada época. En consecuencia y continuando con la relación de las reducciones geometrizantes, se tomara algunas de las épocas para ir desarrollando los interrogantes de acuerdo a la temática.
¿Se mantienen los referentes temáticos?: la respuesta aunque no es absoluta es evidente, ya que al pasar del tiempo aunque han surgido diferentes estilo y tendencias se han alimentado de los referentes que aportan directa o indirectamente cada obra de arte. En ese sentido he tomado el arte de la edad media el "neoclasicismo". Surge en el siglo XVIII, entre sus características se encuentra la arquitectura, la escultura, la pintura, entre otros. estrechamente vinculada a la ilustración.
Cenotafio de Isaac Newton
¡Ser divino! Acepta el homenaje de mi débil talento... ¡Ah, Newton!». Con estas palabras, el arquitecto y diseñador francés Étienne-Louis Boullée (1728–1799) dedicó su diseño de un cenotafio (tumba vacía) imaginario en honor al físico inglés Sir Isaac Newton (1642–1727) Se puede apreciar a partir de estas imágenes como hay referentes en cuanto a la forma, es decir se utiliza la geometría en cada composición que como posible conclusión, aunque aparezcan nuevos estilos conservan de alguna manera esas referencias en su expresión.
¿Cambia la gramática visual? Al ir surgiendo cambios de acuerdo a la época y a los acontecimientos que se han dado, el arte esta a la mano con la historia,es así que se encuentra articulado a unas fases y progresos. Es entonces cuando se habla de gramática visual, siendo esta la que contiene elementos básicos del lenguaje visual, sus procesos y relaciones. Es decir que por medio de la imagen se imprime lo que se desea comunicar o expresar, en consecuencia hay cambios al momento de ver las obras pero siguen utilizando los elementos básicos(linea, punto, textura, entre otros).
Y al triangular la información de como el arte cambia, los referentes temáticos influyen y la gramática visual enseña, se puede llegar a la realización de procesos creativos que se alimenta de todos los conceptos y experiencias artísticas que han permeado cada época.
Arte conceptual
a continuación un recorrido desde obras artísticas para evidenciar como las formas geométricas han tenido valor dentro del arte.
cubismo Picasso
Expresionismo Van gogh
Arte conceptual
En ese sentido es posible encontrar esas conexiones directas que tiene la vida con las formas geométrica dado a que todo se fundamenta desde esos elementos básicos que constituyen una composición, en consecuencia aparecen movimientos artísticos que terminaron volviendo a esas reducciones geométricas la cual involucra la línea, el punto en su mínima expresión visual.
Bibliografìa:
Historia del Arte I By José Manuel Lozano Fuentes
Vasily Kandinsky By Victoria Charles
La gramática de la creación ; El futuro de la pintura By Vasili Kandinsky
Land art By Tonia Raquejo
CONCLUSIONES
Al referirse de la importancia de las figuras geométricas en la composición de una obra artística, esta debe articularse a los procesos creativos, ya que al llevar al aula las figuras geométricas como elemento fundamental para empezar a realizar trabajos plásticos, estas figuras de alguna manera enseñan las formas básicas que tiene una pintura, una escultura y al arte conceptual, ya que todas las anteriores se basan en la construcción mínima al momento de exponer el proceso.
